El Mundo del Museo





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El Cristo amarillo
Paul Gauguin
(1889)
Francia
En la búsqueda de un ambiente rural, lejos de la metrópoli de París, Paul Gauguin se aventuró al noroeste de Francia y se estableció en Bretaña por algún tiempo de su vida. Allí, en medio de un paisaje campestre, Gauguin se vio atraído por la forma de vida agraria de su comunidad bretona, de ascendencia celta, su religiosidad y sus costumbres tradicionales. Este lugar inspiró a Gauguin para la creación de sus obras de temática religiosa como "El Cristo amarillo", que fue ejecutada posterior a su "Cristo en el jardín de los olivos" y que pretende continuar la narrativa cronológica de la vida de Jesucristo. Para la figura de Jesús, Gauguin se inspiró en el crucifijo que se encontraba en una iglesia bretona, la cual se puede apreciar en el paisaje del lienzo en segundo plano. Así como en su obra "La visión después del sermón", Gauguin confunde el espacio imaginario con el paisaje realista donde se sitúan las bretonas, es decir, el Cristo crucificado es la imagen que sucede en la mente de las mujeres y que se representa en el lienzo como si se tratara de algo que sucede ante sus ojos. Visto de otro modo, en el cuadro aparecen representados dos momentos distantes en tiempo y espacio. Para crear la figura de Cristo, Gauguin ha utilizado la pintura al óleo con una técnica dibujística, es decir, usa el amarillo para colorear las figuras delineadas con gruesas líneas oscuras. Esta creación de formas sintéticas es una evolución de la descomposición de las figuras en colores planos como se muestra en las obras de Paul Cézanne. Destaca también el uso de colores planos para dar forma a los árboles del paisaje en tonos rojos, para las montañas que se alzan en el plano de fondo de colores violetas y tonalidades amarillas para aquellas que se encuentran más cerca del espectador. La obra se exhibe en la Galería de Arte Albright - Knox.
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Albright-Knox Galería de Arte
Estados Unidos
La galería de arte fue fundada por la Academia de Bellas Artes de Buffalo, la cual se encuentra entra las instituciones de arte públicas más antiguas del país, al lado de la Academia de Bellas Artes de Pensilvania, la Galería Corcoran de Washington y la Galería de Arte de la Universidad de Yale. La construcción del edificio de estilo clásico fue financiada por John J. Albright y construida por Edward B. Green. El edificio había sido pensado como Pabellón de Bellas Artes de la Exposición Panamericana de 1901, sin embargo el edificio no cumplió su objetivo ya que fue terminado en 1905. En 1962 fue adicionada una nueva ala al edificio de Edward B. Green, creada por Gordon Bonshaft, la cual fue posible gracias al importante apoyo del Sr. Seymour H. Knox quien además donó alrededor de 700 obras de arte a la colección, la más grande en la historia de la institución. Se debe al nombre de este personaje que el museo adoptara su nombre actual. La colección del museo se conforma principalmente de Arte Moderno y Contemporáneo; destacan las obras de Picasso "La Toilette", de 1906, "Carnaval de Arlequín" de Joan Miró creada en 1924, entre otros importantes trabajos de artistas contemporáneos como Willen de Kooning, Arshile Gorky, Matthew Barney, Felix González-Torres y Jeniffer Steinkamp. El museo colabora con el Museo de Arte de Carnegie en diversos programas académicos y adquisiciones de obra, como el trabajo de Rachel Whiteread "Domestic" del 2002....
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De dónde venimos? Quiénes somos? A dónde vamos?
Paul Gauguin
1897
El título de esta obra aparece escrito en francés en la esquina superior izquierda del lienzo. Esta obra de grandes dimensiones (139.1 x 374.6 cm), de acuerdo al artista, representa todas sus ideas juntas, por lo que fue considerada por éste como su obra maestra. Fue realizada durante una etapa de crisis personal del artista durante su segundo viaje a Tahití. En esta isla, Gauguin buscó situarse en medio de una sociedad que llevaba una vida modesta y elemental a diferencia de la sociedad moderna de su país natal. El contenido de la obra representa las ideas filosóficas que los simbolistas buscaban cuestionar y expresar a través del arte y la literatura, como la existencia humana y la muerte. De acuerdo al propio artista, la obra debía leerse comenzando por el lado derecho y prosiguiendo hacia la izquierda. La escultura azul representa "el porvenir", en tanto que la figura de la anciana a la izquierda del cuadro en actitud de resignación significa "la proximidad de la muerte". Destaca el empleo de colores planos en la obra que determina el estilo típico del artista, y que fue admirado y utilizado por los simbolistas. Destaca también el delineado de contorno de las figuras que acentúa la bidimensionalidad de la obra. Este lienzo se exhibe en el Museo de Bellas Artes de Boston. ...
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