Museo relacionado Tate Modern de Londres Inglaterra La historia de la colección del Tate se remonta al año de 1889 cuando el empresario Henry Tate donó su colección de arte británico a la nación. En ese año, el Estado decidió la creación de un museo que contuviera la colección nacional de arte británico, conformada por la colección de Henry Tate, así como las obras de otras colecciones particulares. En 1897, la Galería Tate abrió sus puertas al público en el antiguo edificio de la penitenciaría de Millbank. Con el crecimiento de la colección, los miembros del consejo de la Tate Gallery decidieron la apertura de nuevas galerías para contener la gran colección de arte británica, moderna y contemporánea. No fue hasta 1992 cuando se decidió crear una galería específicamente para Arte Moderno y Contemporáneo internacional. Se prosiguió con la creación de la Tate Modern, y para ello en 1994 se seleccionó el edificio de la estación costera como recinto para el nuevo museo. Éste fue edificado entre 1947 y 1963 por Sir Giles Gilbert Scott. La renovación del espacio fue costeada por la Agencia English Partnership Regeneration; la enorme sala de turbinas fue convertida en la magnífica entrada del museo, en tanto que la salas de maquinaria y boilers se convirtieron en galerías. En la actualidad, el Tate Modern se sostiene mediante las donaciones del público, la entrada es gratuita y ofrece exhibiciones temporales a las que se puede ingresar con un costo. La colección del Tate se divide entre sus tres plantas, divididas a su vez en cuatro alas. La 1era planta está dedicada a exhibir arte del movimiento Surrealista, ordenada de manera temática, y se titula "Poesía y sueño". La 2da planta se denomina "Visiones transformadas", que como tema central toma a la figura humana como portadora de significado, protesta y renovación ante el caos y la destrucción. En ella se exhibe una importante colección de Mark Rothko, artista norteamericano que explora esta temática en su obra. En la siguiente planta se encuentra la galería titulada "Energía y Proceso", cuya exhibición refleja el interés de los artistas por explorar la transformación y las fuerzas de la naturaleza. En la última planta se exhiben obras en torno a la temática de "Estructura y claridad" que se centra en el arte abstracto de la década de los 20 y 30 del siglo XX....

 Obra relacionada El costeño Francisco Díaz de León 1929 Francisco Díaz de León produjo múltiples grabados sobre el tema del campesino y su entorno. En esta imagen, aparece en primer plano la figura de un hombre de campo, y al fondo, una vista de una fachada de un hogar campestre con vegetación alrededor. El hombre porta un sobrero que le cubre la mitad del rostro, lo que dificulta apreciar su semblante con totalidad. La intensión del autor de representar al campesino no era crear el retrato vívido de un personaje particular, sino sólo mostrar una imagen reconocible de un trabajador del campo. Casi todos los personajes que representa Díaz de León son campesinos indígenas, lo cual era la situación general en aquel tiempo, y casi todos ellos transmiten una sensación de melancolía. En sus grabados se refleja la gran diferencia existente entre las relaciones que mantienen los habitantes de una ciudad y la gente de campo. Por ejemplo, en el ámbito rural existe una organización social basada en pequeñas poblaciones en donde los habitantes se conocen, conviven y comparten su trabajo o los frutos de su trabajo; en cambio, en las ciudades la gente vive en anonimato y desempeña diferentes labores en su día a día. Este grabado que aparece en la imagen es una de las obras más emblemáticas del autor. Fue elaborada para la carpeta colectiva "Máscara de jade" que fue presentada en diversas exposiciones. Es probable que el autor la ejecutara por el tiempo en que estuvo involucrado en el movimiento 30-30; éste era un grupo de artistas que se oponía a las enseñanzas de la Academia y mostraban al pública sus nuevas propuestas estilísticas e ideológicas a través de exposiciones, inclusive promulgaban manifiestos. En este grabado, por ejemplo, se aprecia una técnica innovadora de representar una perspectiva del paisaje poco real ya que la figura del hombre parece fundirse con la imagen de su entorno. La técnica utilizada por el artista en esta obra fue el grabado en linóleo o linograbado. Ésta consiste en la impresión en relieve, es decir, que la imagen trabajada con gubias queda en blanco y los bordes en relieve quedan estampados sobre el papel. Se le llama así debido a que para el estampado se utiliza una sustancia que contiene aceite de linaza oxidado, caucho y otros pigmentos. La obra tiene unas dimensiones de 19.6 x 16.2 cm, y forma parte de la Colección Díaz de León del Museo Colección Blaisten de la Ciudad de México. ...

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